Египет энкаустика

Фаюмский портрет — икона до иконописи.

Иконопись глубоко коренится в богословии православной Церкви, однако ведет свою культурную родословную — из античного искусства. Никакое культурное явление не создается «с чистого листа», не возникает просто «из воздуха».

Потому для правильного понимания иконописи всегда важно понимать тот культурный контекст, в рамках которого возникло иконописание. Ведь первые иконописцы, первохристианские художники, так или иначе, были детьми своей эпохи, их художественное мастерство создавалось в рамках художественных течений, которые возникли до них и которые существовали параллельно с ними. Именно с этой точки зрения нас должно интересовать позднеантичное искусство.

Что такое эллинизм

Искусство Римской Империи, не смотря на определенные региональные особенности, в основе своей было продолжением искусства эллинизма.
Эллинизм сформировался в результате походов Александра Македонского на Восток. Греческие государства, образовавшиеся после этого похода, создали почву для смешения культуры завоевателей и местных народов. Вот эта вот смесь античной традиции с традициями древнего Египта, Персии и т.д. и есть эллинизм. Римская Империя, завоевав большую часть эллинистических государств, также вошла в культурный ареал эллинизма. И на этой почве синтеза западных и восточных традиций возникла позднее великая византийская культура.

Долгое время об античном искусстве мир судил почти исключительно по скульптуре и архитектуре, образцы которых дошли до потомков в той или иной степени сохранности. А вот об античной живописи можно было получить представление в основном из письменных источников или немногочисленных образцов монументальных росписей Древнего Рима, или же по росписям древнегреческой посуды. Со временем археология вносила свои коррективы в изучение истории живописи, все больше приоткрывая завесу над творчеством древних художников.

Своего рода сенсацией стала находка в в Египте полуразграбленных захоронений периода римского владычества. В 1887 году в Фаюмском оазисе были обнаружены мумии, внешний вид которых отличался от тех, что находили до сих пор. Традиционно египетские мумии заключались в футляры или саркофаги, которые украшались масками, воспроизводящими черты покойного. Но в фаюмских погребениях никаких масок не было, вместо них присутствовали живописные портреты усопших. Эти портреты произвели на культурную публику конца XIX века неизгладимый эффект. Они продолжают поражать и сейчас.

Первые находки были сделаны возле современного селения эр-Рубайят (которое расположено недалеко от древней Филадельфии), позднее к ним прибавились портреты, найденные чуть дальше, в местности Хавара (находящейся на месте некрополя древней Арсинои, которая ещё раньше называлась Крокодилополем). Поскольку большая часть артефактов были найдены именно в районе Фаюмского оазиса, за ними закрепилось название «фаюмских портретов». Хотя позднее подобные картины были обнаружены и в других регионах Египта: в Мемфисе, Антинополе, Ахмиме и Фивах.

Всего на сегодняшний день найдено более 900 портретов. Время создания этих портретов I—III века по Р.Х. — время, когда Египет был завоеван римлянами. За несколько столетий до этого в Египте правила греческая династия Птолемеев – потомков одного из соратников Александра Македонского. Правящей элитой, разумеется, тоже были греки. Потому неудивительно, что одновременно с традиционным египетским искусством существовало и искусство греческих завоевателей и синтезированное эллинистическое искусство, впитавшее в себя обе традиции.

Это коснулось всех аспектов культурной и религиозной жизни древних египтян указанного периода, в том числе и погребальных обрядов. До нас дошли примеры погребальных изображений, выполненных как в более древней, собственно египетской традиции (рельефные погребальные маски), так и в более новой – греко-римской (погребальные портреты).

Чем фаюмские портреты интересны христианам?

Чем эти артефакты могут быть интересны христианам? Только ли своей красотой? Мало ли в мире других прекрасных произведений искусства, почему именно фаюмский портрет?

Стоит обратить внимание на один немаловажный факт – египетские погребальные изображения предназначались не просто для созерцания (хотя, как считается, многие из них писались с живых людей), они создавались для погребений. Общеизвестно, какое огромное значение древние египтяне уделяли загробной жизни. И погребальные изображения были одним из важнейших аспектов жизни за гробом. У древних египтян считалось, что после смерти человека его мистический двойник – Ка — отделяется от тела, но он может вселиться в изображение умершего и таким образом получит новою жизнь. Именно для этого египтяне изготовляли различные изображения покойных. Очень важно было, чтобы художник добился максимального сходства изображения с умершим, иначе Ка может не узнать свой портрет и будет обречен на скитания.

Портрет с точки зрения вечности

Фаюмские портреты были не просто изображением человека, не просто «фотографией», которая бы передавала его сиюминутный облик. Они изображали человека «с точки зрения вечности», художники стремились изобразить не просто внешний облик умершего, но его вечную душу (хотя, конечно, слово «душа» в данном случае стоит употреблять с известной степенью осторожности, ведь представления о ней в древнеегипетской религии не очень совпадает с христианским учением). Так или иначе, фаюмский портрет, это образ вечной, в известном смысле – бессмертной личности.

Именно это обстоятельство и роднит фаюмский портрет с иконой. И, как эллинских философов порой называют «христианами до Христа», поскольку античная философия подготовила ту почву, на которой выросло богословие, также и фаюмский потрет можно, в некотором смысле, назвать «иконой до иконописи».

Особенности композиции

Композиция фаюмского портрета обычно имеет погрудное построение (поясные изображения встречаются реже).

Головы персонажей, как правило, повернуты в три четверти. Прямых фронтальных изображений мало. Взгляд направлен либо прямо, либо поверх «зрителя». Источник света, который формирует светотеневой рисунок лица, чаще всего «расположен» сверху и немного слева от изображенного – правая (от зрителя) сторона лица обычно затенена, независимо от того, в какую сторону развернут персонаж, затененная сторона носа передается широкой темной линией. Эта особенность светотеневого моделирования присутствует и в более условных, плоских изображениях.

Лица не отражают эмоций. Глаза, зачастую, широко раскрыты. Фон условный, обычно — однотонный светлый либо золотой.

Стоит также отметить такую стилистическую особенность большинства фаюмских портретов (особенно поздних), как своеобразную асимметричность. Левая часть лица часто отличается от правой (глаза, брови, уголки губ, уши и т.д. могут быть разного размера, расположены на разном уровне, изображены под разными углами). Этот прием не свойственен собственно эллинистическому искусству, в нем можно видеть новое веяние в живописи. По сути это — та же попытка передать объем предмета и его перспективное искажение, но более динамично и экспрессивно.

Подобные стилистические приемы встречаются и в иконописи

Интересно, что подобные стилистические приемы встречаются и в иконописи. Технически же фаюмские портреты также близки первым христианским иконам (о них мы уже говорили ранее). Подавляющее большинство фаюмских изображений написано на деревянных дощечках (реже – на загрунтованных холстах). Основная живописная техника – энкаустика (живопись красками на основе воска), так же, как и в случае с первыми иконами.

Здесь могут возразить: такое узкоэтническое явление, как египетский погребальный портрет, не может в полном смысле являться предтечей христианской иконы. Но в том-то и дело, что фаюмские портреты, как мы уже упомянули, относятся не только к Египту, они восходят к греко-римской традиции. И если изображения для мумий и саркофагов являются характерной особенностью именно египетского региона, то в других частях Римской Империи была своя традиция – ритуальные портреты предков, которые располагались в атриумах римских домов или ритуальные же портреты императоров и магистратов, которые стилистически в принципе не отличались от погребальных портретов Египта. Другое дело, что примеры таких произведений можно пересчитать по пальцам. А египетские захоронения, по ряду причин, в гораздо большем объеме донесли до нашего времени то, что не сохранилось в других уголках бывшей Римской Империи.

И сейчас, спустя столько лет, после обнаружения фаюмских потретов, они способны поражать. Кто-то даже находит сходство со своими современниками. Просто вглядитесь в эти лица. Посмотрите в глаза, раскрытые Вечности.

Апотропеи, персоны, горгонейоны

Какие маски были у людей античности — и зачем они им были нужны? Рассказываем о том, как и почему древние греки и римляне прикрывали лица усопшим, какую функцию выполняли театральные маски вне стен амфитеатров и от каких врагов защищала маска Медузы Горгоны.

Гиппократ, известнейший медик античности, считал, что воздух — «пневма» — источник распространения заболеваний. Воздух содержит «болезнетворные миазмы», вдыхая которые, человек заболевает. Но поскольку защититься от воздуха невозможно, Гиппократ и его последователи советовали сменить место жительства.

Вот что пишет, например, один из Псевдо-Гиппократов (именем Гиппократа подписывали самые разные медицинские трактаты):

Но когда болезнь какая-либо будет действовать эпидемически, тогда очевидно, что не образ жизни причиною ее, но то, что мы вводим в себя дыханием, и, очевидно, именно это последнее вредит нам каким-то болезненным заключающимся в нем выделением.

«О природе человека», пер. В.И. Руднева

Таким образом, защищаться от дыхания больного человека нет смысла, ибо болезнь распространена в воздухе. Именно его и следует очищать, меньше вдыхать, а то и вовсе сменить.

Римляне, конечно же, думали точно так же, как и греки. Вот как устами Гнея Тремелия Скрофы рассказывает о своем дальнем предке древнеримский писатель Марк Теренций Варрон:

«Сельское хозяйство», пер. М.Е. Сергеенко

Зато в античности были в ходу маски другого применения — от забвения ушедших близких, от мирского, от скуки и печали, от пустоты места обитания и, конечно же, защиты от врагов. О них мы и поговорим.

Маски от забвения — погребальные

По вполне понятным причинам сферой самого раннего применения масок в древности были религиозные обряды. Погребальная маска — статусный атрибут похорон. Уже для Восточного Средиземноморья четырехтысячелетней давности изготовление масок умерших правителей — вспомним Древний Египет и потрясающую маску Тутанхамона — традиция.

В древнегреческой культуре мы такие маски встречаем в микенских гробницах середины второго тысячелетия до нашей эры. Генрих Шлиман, который открыл миру эти погребальные сооружения, связал их с легендарной микенской династией Атридов, а самую эффектную назвал «Маской Агамемнона» — не атрибутировав, конечно, а посвятив царю Микен XIII века до нашей эры, хорошо известного благодаря гомеровской «Илиаде». Не так уж важно, что находки Шлимана старше Атридов лет на 300. Они — свидетели тому, что маска-апотропей (защитник от злых духов) сохраняла индивидуальные черты лиц умерших в мире, где еще не было портретов на надгробиях.

«Маска Агамемнона», XVI века до н.э.

DieBuche / Wikimedia commons / CC BY-SA 3.0

Ту же роль — сохранение внешнего облика умершего — играли маски и в культуре этрусков в VII в. до н.э. Этот италийский народ практиковал кремацию: в гробницу в Кьюзи ставили урну с пеплом покинувшего мир живых, и на нее прикрепляли бронзовую маску. Позднее урны стали изготавливать с крышками в виде человеческой головы с лицом, а на саркофагах появились скульптуры лежащих фигур, изображавших похороненных в них.

Из этого обычая выросла римская традиция делать из воска посмертные маски родственников и хранить их в домашних ларариях. На основе этих масок заказывали бюсты из более долговечных материалов — дерева, глины или даже мрамора. Таким образом уже ушедшие в мир иной представители рода «оставались» в доме, охранять и защищать своих потомков.

Домашний ларарий в Доме Менандра в Помпеях, в котором стояли пять деревянных бюстов (скорее всего, предков). Сейчас их можно увидеть в гипсовых отливках

Считается, что традиция изготовления этих бюстов, поскольку стремилась к реалистичной передаче черт усопших, привела древнеримское искусство к портретной скульптуре.

В первых веках нашей эры в Римском Египте греко-римское влияние на местные погребальные традиции привело к новому способу сохранения лиц усопших. На деревянных досках в технике энкаустики (расплавленными красками с добавлением воска), а позднее темперными красками рисовали погрудные портреты. Одежда, прически, украшения выписывали настолько реалистично и тщательно, что они служат подспорьями в определении датировки погребений. Эти картины клали в могилы — прямо на мумии. По месту первых находок в современном искусстве они получили название «файюмских портретов».

Один из «файюмских портретов» I-III вв.

qQEGWBHD8myQXw at Google Cultural Institute / CC0

Один из «файюмских портретов» I-III вв.

Один из «файюмских портретов» I-III вв.

Маски от мирского — культовые

Маски носили не только мертвые, но и живые. Участники мистерий — тайных культовых празднований — переодевались в богов и их спутников. Помимо одежды и атрибутов часто использовались и соответствующие маски.

Но вот беда: большинство таких мистерий следовали широко известному правилу Бойцовского клуба. Поэтому подробных описаний этих таинственных мероприятий в античных источниках нет.

Тем не менее, известно, что в пришедших в древнюю Европу с Востока культах маски играли не последнюю роль.

Например, в римских ритуалах почитания египетских богов присутствовала маска собакоголового Анубиса. Вероятно, о ней речь в «Жизнеописаниях августов», когда рассказывается, что император Коммод «брил голову и носил изображение Анубиса», да еще и «больно ударял по бритым головам жрецов Изиды мордой идола» (пер. С.П. Кондратьева).

В трактате древнеримского историка Аппиана есть рассказ о нетривиальном использовании такой маски во время проскрипций второго триумвирата:

«Гражданские войны», пер. Е.Г. Кагарова.

Стены одной из гостиных знаменитой Виллы Мистерий под Помпеями расписаны фресками в так называемом II «стиле». И хотя у специалистов нет единого мнения насчет происходящего в росписи, принято считать, что это изображение дионисийских ритуалов. Здесь в одной из сцен юный сатир держит маску лысого бородатого старика – Силена, спутника Диониса. Есть версия, что, эта маска предназначена другому сатиру, есть – что это символ неких возможностей, открывающихся после инициации.

Роспись гостиной на Вилле Мистерий в Помпеях

Маски для проявления чувств

Самыми доступными и популярными масками в Древней Греции были театральные.

В VI веке до нашей эры античный театр уже отделился от религиозных мероприятий с песнопениями и инсценировками. Театральные пьесы теперь пишут профессиональные авторы (Феспид, Фриних, Эсхил), сформировалась структура театрального представления, развивается изготовление театрального реквизита (масок, нарядов и т.п.) и техническое оснащение постановок. Появились специальные сооружения для представлений — театры.

Маски нужны для того, чтобы зрители на задних рядах, понимали, что за персонаж вышел на сцену — программок с либретто тогда не было, а маска сразу дает понять: это женщина средних лет или Аполлон.

Изображение трагической маски на краснофигурном лекифе Вазописца Примато из коллекции Британского музея. Ок. 350–330 гг. до н.э.

Прогресс потребовал и некоторой унификации реквизита. Обычно маски делали из ткани, вымоченной в гипсе или обмазанной гипсом. Затем ей придавали вид с каким-нибудь стандартизированным выражением лица. Маска белого цвета чаще обозначала женского персонажа, темного – мужского, а оттенки и текстура сообщали детали. Например, изрезанный морщинами лоб — старый человек, гладкий лоб — веселый человек, немножечко морщин — серьезный человек. Иногда у масок было две разных брови: например, «веселая» и «грустная», и актер поворачивался к зрителям только одной стороной лица. Смуглые мужские маски означали здоровье, желтизна болезнь, белые говорили об изнеженности, а красные, багровые, кирпичные оттенки использовали для злых и раздраженных лиц.

К маске прикрепляли подходящие парики и завязки для удержания ее на голове актера. Маски героев, богов и прочих персонажей имели характерные атрибуты. С течением времени масок становилось все больше — в «Ономастиконе» римского автора II века нашей эры Юлия Поллукса описано уже 28 трагических маски и 44 комических.

В трагедии сами лица на масках часто были весьма условны – никто не знал, как выглядел Агамемнон или Эдип на самом деле. Так что мастер, который изготавливал маску, мог брать в качестве образца лица своих знакомых. Главное, чтобы тот соответствовал всеобщему представлению о герое.

А вот в комедиях, где часто выводились не только абстрактные горожане, но и известные всем Афинам политики, маски могли передавать индивидуальные черты лица. Например, в комедии Аристофана «Всадники» есть строки, которые дают понять, что использование портретных масок в сатирах могло плохо обернуться не только для ее автора комедии, но и того, кто сделал маску. Аристофан направил свою комедию против стратега Клеона — прямо его имя в пьесе звучит лишь раз, но у главного отрицательного героя есть прозвища. Одно из них – кожевник – сразу давало понять зрителям, о ком речь. Все Афины знали, что у Клеона есть кожевенная мастерская. И, как сообщают современники Аристофана, никто из изготовителей театрального реквизита не взялся сделать для комедиографа портретную маску влиятельного и мстительного Клеона.

Аристофан мимо этого, естественно, молча не прошел: в одной из сцен комедии, когда рабы рассказывают зрителям о своей тяжкой доле, что стала еще печальнее из-за появления в доме некоего кожевника-пафлагонца, один из них ободряет случайно проходящего и втянутого в авантюру колбасника:

Искусство Византии

История Византии — особая страница в истории Средневековья. Именно здесь, в государстве, сформировавшемся после раздела Римской империи, получило достойное продолжение наследие греко-римской цивилизации, обогатившееся восточными элементами. Именно здесь укрепился и расцвел восточный вариант христианства, впоследствии известный как православие. Здесь появились на свет шедевры архитектуры, литературы, иконописи, значимые для всего средневекового мира.

Искусство и государство

После разделения Римской империи на Западную и Восточную христианство как таковое не утрачивает своих позиций. Но («благодаря» не в последнюю очередь огромным расстояниям, местным национальным особенностям и политике власть имущих) на разных территориях постепенно накапливаются разночтения в обрядах, церковном укладе, социальном положении священников. Рим и Константинополь — два духовных центра, которым суждено было стать колыбелью соответственно западного и восточного христианства, католичества и православия. Впрочем, официальный раскол произошел лишь в середине XI столетия.

Византийские мастера унаследовали от античных стремление к гармонии телесного и духовного (впоследствии, правда, отдали предпочтение величественной, спокойной созерцательности). В то же время позаимствованное на Востоке пристрастие к яркости и пышности способствовало созданию впечатляющих, сильных и жизнерадостных образов — особенно это относится к периодам укрепления государственного могущества.

Церковь Святой Ирины,Турция

Византийское искусство принято делить на следующие периоды:

  • Раннехристианский (уже знакомый вам переходный период, к истории Византии его можно отнести достаточно условно);
  • Ранневизантийский (IV—VII века, в первую очередь правление Юстиниана I);
  • «Темный», или «иконоборческий», период (VIII — начало IX века);
  • «Македонское Возрождение» (ок. 8671056) — он же «Классический период искусства Византии»;
  • «Комниновское Возрождение» (ок. 1081-1185);
  • «Возрождение Палеологов» (ок. 12611453).

А теперь — о наиболее значимых примерах и образцах.

Символом «золотого века Юстиниана» (да и всей византийской истории в целом) может считаться известный на весь мир собор Святой Софии — Премудрости Божией, или «Святая София Константинопольская». По своему архитектурному решению это базилика, пространство которой состоит из трех огромных нефов.

Первые христианские храмы, стоявшие на этом месте, не сохранились; грандиозная постройка, возведение которой началось по велению Юстиниана в 532 году, должна была стать зримым символом величия империи.

Собор Святой Софии, для постройки и украшения которого использовали дорогой цветной мрамор, золото, слоновую кость, производил такое грандиозное впечатление на подданных, что появилось множество легенд о том, что в возведении храма принимали участие небесные силы. «Этот храм представлял чудесное зрелище. как корабль на высоких волнах моря, он выделялся среди других строений», — восторженно отзывался писатель Прокопий Кесарийский, который был свидетелем возведения здания.

Собор Святой Софии

Отделка Святой Софии (фрески, мозаики, облицовка колонн и стен) продолжалась на протяжении многих столетий, отражая большинство политических и религиозных перипетий. Так, во второй трети VIII века по инициативе императора Льва III Исавра было запрещено почитание икон. «Иконоборцы» объявили священные изображения «идолами», опираясь на заповедь «не сотвори себе кумира». Итогом стала утрата множества драгоценных икон, фресок и других изображений в сотнях храмов империи. Впоследствии это фатальное для искусства повеление было отменено, и большинство дошедших до нас мозаик храма Святой Софии относятся уже к концу IX — началу X столетия.

Яркий пример — мозаичное изображение Богоматери, восседающей на троне с младенцем Иисусом на руках. В облике Девы Марии прослеживается явное стремление художника следовать античным идеалам красоты, в то же время сочетание золотого и темно-синего цветов — фона и одежд Богоматери — смотрится уже «по-византийски» торжественно. По некоторым версиям, автором этого изображения был знаменитый иконописец по имени Лазарь, в годы иконоборчества подвергавшийся гонениям и жестоким пыткам.

Кстати, именно византийцы считаются авторами изобретения мозаичной смальты — специального непрозрачного стекла, которое при помощи добавления металлических примесей приобретало разные цвета. Впоследствии, на закате Византийской империи, из-за дороговизны материала и трудоемкости процесса мозаики почти полностью уступили место фрескам.

Богоматерь с младенцем Иисусом. IX в. Мозаика в храме Святой Софии, Стамбул

Наибольшего расцвета искусство мозаики в Византии достигло в период «Македонского Возрождения» (когда у власти находилась Македонская династия) и «Возрождения Палеологов», когда Византия, избавившись от власти крестоносцев, захвативших Константинополь в 1204 году, переживала новый подъем.

К периоду «Македонского Возрождения» относится, по-видимому, большинство сохранившихся до нашего времени мозаик монастыря Осиос-Лукас (монастыря Луки Елладского) в Фокиде. Их датируют первой половиной — серединой XI века. В отличие от величественных, тяжеловесно-торжественных мозаичных полотен Святой Софии, изображения в культовых зданиях этого греческого монастыря привлекают внимание более легкими, звенящими цветами, они чуть более сухие и аскетичные. До наших дней сохранилась мозаика «Сошествие Святого Духа на апостолов» — сюжет, не слишком часто использовавшийся в те времена.

К художникам — представителям «Возрождения Палеологов» можно отнести знаменитого Феофана Грека (ок. 1340-1410), прославившегося своими фресками и иконами в Константинополе, Кафе, Великом Новгороде и Москве. В это время «византийское искусство» выходит далеко за географические границы своей родины.

Значительные изменения в этот период претерпевают и изображения в храме Святой Софии. Например, это мозаика «Деисус» в южной галерее. На ней представлены Спаситель, Богоматерь и Иоанн Креститель. Для этого изображения характерны большая мягкость, многообразие оттенков и плавность линий, нежели для более ранних образцов.

В 1054 году в Софийском соборе римский кардинал Гумберт и константинопольский патриарх Михаил Керуларий констатировали церковный раскол, положивший начало отдельной истории православия и католичества. После захвата Константинополя турками в 1453 году Святая София была превращена в мечеть, последнее христианское богослужение состоялось в конце мая 1453 года. Ныне храм является музеем.

Священный образ

Когда и как родилось искусство иконописи? Что такое икона? Чем, например, икона Богоматери отличается от ее изображения на стене храма?

В широком смысле икона — это практически любой священный образ. Даже в некоторых искусствоведческих изданиях вы можете увидеть, например, фразу «иконы на стенах римских катакомб». Но все же это не совсем верно. В отличие от храмовой фрески или мозаики, икона — самостоятельное произведение, которое может как находиться в интерьере храма или другого здания,так и использоваться во время религиозного праздника или крестного хода, а также сопровождать, например, своего владельца в путешествии.

Благовещение. XIV в. Церковь Св. Климента в Охриде

В христианской традиции первым иконописцем считается евангелист Лука, создававший образы Богоматери и апостолов. Если же говорить о первых дошедших до нас святых образах, то они относятся к VI столетию. Классический пример — изображение «Христос Пантократор», находящееся ныне в монастыре Святой Екатерины на горе Синай, — древнейшее известное нам отображение Спасителя. Оно было создано в Константинополе — возможно, по личному распоряжению императора Юстиниана, который вскоре отправил образ в основанный им же монастырь. Икона выполнена в технике энкаустики (от греч. έʏκαuσтıκἠ— «выжигание»): красочный пигмент смешивается с восковой базой и наносится на основу (в данном случае — доску) в расплавленном виде. Эта техника — еще одно доказательство глубины и синтетичности византийской культуры: энкаустика была популярна, в частности, в Римском Египте в первые века нашей эры. Пример — так называемые «фаюмские портреты».

Что же касается изображения Спасителя из Синайского монастыря, то оно стало основой для всей последующей иконографии такого типа. И ценность этого произведения — прежде всего в том, что оно написано без оглядки на каноны: оно само по себе стало живописным каноном на многие века, оставшись в истории как акт запечатленной чистой веры.

Синайская икона Христа Пантократора

. Именно в ранней византийской иконописи складываются характерные черты этого вида искусства: условность и символизм изображения, обратная перспектива, представление в одном живописном поле событий, относящихся к разному времени, «светоносность» (то есть в произведении нет видимого источника света, его как бы источают сами изображенные фигуры).

Искусство декоративное, но значимое

Особое место в искусстве Византии занимает эмаль. Не позднее V—VI столетия местные мастера с ее помощью украшают ювелирные изделия, церковную утварь, обложки книг и даже храмовые двери! Эмаль представляет собой стекловидную массу, которая при помощи высоких температур скрепляется с основой.

В Византии использовались как выемчатая, так и перегородчатая эмаль. В первом случае на поверхности основы чеканится или выпиливается углубление, которое заполняется эмалью. Во втором — на основу напаиваются перегородки(в основном в виде тонких металлических полосок или проволоки), образующие ячейки разной формы, которые также заполняются эмалью. Искусство это не утрачивало своей популярности в Византии на протяжении многих столетий и достигло невероятных высот. В качестве примера можно привести «Золотой алтарь» работы византийских мастеров X-XII века, хранящийся ныне в соборе Святого Марка в Венеции, или «Корону Константина IX Мономаха» (XI век) — это сейчас одна из жемчужин Венгерского национального музея в Будапеште.

Популярно было в Византии искусство резьбы. Так, в Лувре находится вырезанное из слоновой кости изображение в технике высокого рельефа, известное как «Диптих Барберини» — по имени одного из предыдущих владельцев — итальянского кардинала Франческо Барберини. Произведение состоит из прямоугольных пластин, скрепленных между собой, на которых изображен триумф императора (предположительно, Анастасия I или Юстиниана I). Правителя окружают аллегорические фигуры Победы, ангелов и побежденных врагов. Подобные предметы когда-то служили табличками для записей.

Диптих Барберини

Автор этого изображения неизвестен, а создано оно, скорее всего, в первой трети VI столетия. Первоначально, судя по всему, диптих украшали драгоценные камни, но до наших дней сохранились лишь несколько небольших жемчужин. На оборотной стороне сохранились записи, которые позволяют причислить диптих к древнейшим дошедшим до наших дней христианским поминальным спискам. Что же касается собственно изображения, то «Диптих Барберини» — пример слияния античной и раннехристианской традиций.

Византийская книга

Для Византии, в отличие от многих средневековых государств, было характерно большое количество светских школ — в отличие от Западной Европы, где Церковь практически обладала монополией на образование. Еще одна особенность — уважение к античному литературному наследию, которое в Западной Европе не пользовалось популярностью из-за своего «греховного», языческого происхождения. Все это способствовало развитию рукописной книги и появлению множества скрипториев и библиотек — как «императорских», так и монастырских, и частных.

Уже в первые столетия нашей эры в качестве материала для письма активно используется пергамент. К XI столетию искусство изготовления и оформления рукописных книг в Византии достигает расцвета — конечно же, наиболее роскошно оформлялись книги богослужебные. Виньетки, миниатюры, богато украшенный золотом и драгоценными камнями переплет — эти традиции были восприняты русскими книжными мастерами.

К числу старейших сохранившихся до наших дней византийских псалтырей относится так называемая «Хлудовская псалтырь» (середина IX в.), находящаяся ныне в Государственном историческом музее Москвы. Названа она в честь собирателя А. И. Хлудова. Интересно, что многочисленные иллюстрации этой книги непосредственно отражают только что закончившийся период власти «иконоборцев»: так, на одной из миниатюр изображены патриархи Иоанн Грамматик и Антоний I, замазывающие изображение Спасителя.

Хлудовская псалтырь

. История Византии завершилась с падением Константинополя, но культурная традиция, родившаяся на этой земле, по сей день оказывает влияние на все мировое искусство.

Боги Древнего Египта: список, описание и их значение

Многих интересует, что такое амулет в древнем Египте. Разберёмся в данном вопросе и раскроем значение каждого из них.

Даже сейчас Египет имеет неотъемлемую связь с мистикой и амулетами обладающими магической силой. Край древних и могущественных богов, таинственных пирамид и правителей-фараонов. Люди, жившие в этой стране, владели технологиями, неподвластными никому другому и ушли благодаря этому далеко вперёд в развитии. Ими сделаны самые величественные постройки в мире, окутанные множеством загадок — пирамиды. По одной из версий, они первыми узнали секрет электричества, а внутри самих сооружений исследователями обнаружены следы от факелов, да и строить усыпальницы без искусственного освещения невозможно. Каждый знак, изображённый на стенах пирамиды, имеет определённое значение, но учёные не смогли разобраться во всех загадках. В древнем Египте хорошо развита медицина. На найденных фресках обнаружены сцены, изображающие хирургические вмешательства, невозможные для того времени.

Что купить в Египте: топ-5 эксклюзивных подарков

Египет заслуженно носит статус самой «сувенирной» страны в мире. Туристы часто привозят из Египта сувениры сомнительного качества, которыми египтяне спекулируют столетиями. Но есть в культуре этого древнего государства такие вещи, которые без слов могут сказать: «Мы родом из Египта»:

1. Жук-скарабей – самый популярный египетский сувенир. Он является таким же символом «страны фараонов», как пирамиды в Гизе. Местные жители настолько любят и почитают его, что сложно найти лавку, где бы он не продавался.

Скарабей – символ Солнца и возрождения. Ожерелья, кулоны, браслеты с жуком из оникса, бирюзы, золота и серебра – все они приносят удачу своему хозяину. Туристы покупают их с удовольствием.

Жук-скарабей как эксклюзивный и самый популярный подарок из Египта

2. «Каф Марьям» – в переводе с арабского «рука Марии». Это растение встречается только в египетской пустыне. Под жарким солнцем оно высыхает и скручивается, образуя подобие кулака. Попадая в воду, «кулак» волшебным образом раскрывается и принимает форму ладони.

Египтяне используют его как ароматизатор (горящий на углях «каф Марьям» издает приятный аромат) и приписывают ему чудесные свойства. Оно приносит удачу в бизнесе, а для женщин это просто магическое растение, отвар которого помогает при бесплодии.

3. Анкх («бант жизни») – сакральный древнеегипетский символ, олицетворяющий вечную жизнь. Крест в нём означает жизнь, а круг – вечность.

Согласно верованиям египтян, их сочетание является знаком единения духовного и материального, земного и небесного, символом женского и мужского начал.

Сегодня этот своеобразный ключ к вечной жизни везут из Египта практически все туристы, а купить его можно во многих сувенирных лавках.

В древности пользоваться анкхом позволялось исключительно богам и фараонам.

4. Картуш – самый популярный сувенир из Египта после жука-скарабея. Это небольшая табличка в форме квадрата или овала. Раньше на картушах писали только имена фараонов, а сегодня каждый турист может позволить себе такую золотую или серебряную табличку с собственным именем.

Их в течение получаса изготавливают во многих местных мастерских прямо на глазах у заказчика.

5. Око Ра (древнеегипетского бога Солнца), Всевидящее око или Уаджет. По уверению египтян, этот амулет обладает магическими свойствами – он защищает своего владельца от сглаза. Традиционно Глаз бога Ра изображался на лодках, саркофагах и одежде. Сегодня его продают в основном в виде кулонов.

  • Отдых с детьми в Египте

Статуи древнего египта

Скульптуры древнего Египта

Практически все исследователи сходятся на том, что заупокойный культ жителей древнего Египта сыграл немаловажную роль в развитии скульптуры – хотя бы потому, что они были убеждены: человеческая душа вполне могла возвратиться на землю к своему телу, мумии (именно с этой целью создавались огромные гробницы, сооружения, в которых должны были находиться усопшие тела фараонов и вельмож). Если мумии сохраниться не удавалось, она вполне могла вселиться в своё подобие – статую (именно поэтому древние египтяне называли скульптора «создающим жизнь»).

Жизнь эту они творили по раз и навсегда установленным канонам, от которых не отступали в течение нескольких тысячелетий (специально для этого были даже предусмотрены и разработаны специальные инструкции и руководства). Древние мастера использовали специальные шаблоны, трафареты и сетки с канонически установленными пропорциями и контурами людей и животных.

Тайны египетского Сфинкса152334.515

Статуи древнего египта

Работа скульптора состояла из нескольких этапов:

  1. Прежде чем начать работать над статуей, мастер выбирал подходящий камень, обычно – прямоугольной формы;
  2. После этого при помощи трафарета наносил на него нужный рисунок;
  3. Дальше методом высекания удалял лишний камень, после чего обрабатывал детали, шлифовал и полировал скульптуру.

Традиционные сувениры из Египта

Как правило, собираясь в Египет, каждый будущий турист пытается найти на просторах Интернета самый полный список того, что привезти из Египта в подарок.

Но в первые же минуты голова начинает идти кругом – пирамиды, кошки, жуки, специи и сладости, одежда и косметика упоминаются на каждом сайте. В нашем топ-5 традиционных и в то же время необычных сувениров представлены:

6. Папирус – самая древняя бумага в мире. В числе сувениров из Египта он заслуженно занимает первое место. До сих пор настоящий папирус изготавливают из бумажного тростника. Этот процесс занимает около двух недель, поэтому и стоимость его будет соответствующая.

Часто под видом папируса неопытные туристы могут купить высушенные банановые листья или крашеную рисовую бумагу. Чтобы этого не произошло, нужно запомнить одно правило: у настоящего папируса есть горизонтальные и вертикальные полоски, а также тонкие черные линии – остатки сахара.

7. Кальян – национальное достояние Египта. По многочисленным отзывам туристов лучшие кальяны продаются в магазинах Шарм-эль-Шейха. В Хургаде часто можно наткнуться на муляж курительного прибора, который будет служить разве что украшением.

Настоящий кальян должен обязательно иметь одну характерную деталь – металлические фрагменты в его конструкции, изготовленные исключительно из нержавейки.

8. Африканские маски можно рассматривать как сувениры из Египта, однако здесь есть серьезное «но»: в магазинах можно купить простую сувенирную маску, так называемый ширпотреб.

В то же время в руки несведущему туристу по незнанию может попасть настоящая шаманская маска, часто негативно заряженная. В таких масках местные шаманы исполняют ритуальные танцы, защищаясь ими от злых духов.

В неопытных руках маска может сыграть злую шутку с ее владельцем.

9. Бутылки с цветным песком – один из популярнейших сувениров из Египта. Этому искусству арабы учатся с малых лет. Опытный мастер способен за 5–10 минут создать настоящий шедевр на глазах у изумленной публики.

Откуда ни возьмись, в бутылке появляются песчаные пейзажи с барханами, верблюды и пальмы, моря с дельфинами и чайками, парящими в небе. Забавная бутылка с цветным песком – то, что привезти ребенку из Египта можно и нужно.

Кроме красоты, такой подарок будет способствовать развитию детского воображения.

10. Ковры ручной работы. Оригинальные, но довольно дорогостоящие сувениры.

Ковры ручной работы как традиционный подарок из Египта

Египетские богини, имена и их значения.

Фото с сайта www.graycell.ru

Фото с сайта www.graycell.ru

  1. Амаунет – в мужском воплощении Амон, позже его супруга. Воплощение стихии. Изображалась как женщина с головой змеи.
  2. Аментет – богиня царства мертвых, которая встречала души мертвых людей на другой стороне.
  3. Анукет – покровительница Нила. Изображалась в короне из папируса.
  4. Бастет – всем известная богиня женской красоты и любви, хранительница дома. Так же покровительница веселья и радости. Изображалась как женщина с головой кошки или в виде изящной сидящей черной кошки. Очень часто можно встретить статуэтки с образом Бастет.
  5. Исида – богиня судьбы и жизни. Хранительница только недавно рожденных детей и умерших людей. Изображались в виде женщины с коровьими рогами на голове, на которых держится солнечный диск.
  6. Маат – богиня истины и справедливости. Изображалась женщиной с большим пером на голове.
  7. Мерт-сегер – хранительница покоя мертвых. Тех, кто нарушал покой мертвых, и разорял могилы, наказывала тем, что отбирала зрение. Изображалась женщиной с головой змеи или наоборот, в образе змеи с головой женщины.
  8. Нейт – мать богов, затем богиня искусства и войны. Часто изображалась в облике коровы.
  9. Нут – богиня неба, поднимающая мертвых наверх. Представлялась в виде женщины, раскинувшейся над землей, как небо.
  10. Сехмет – богиня жары и зноя, способна насылать и исцелять болезни. Чаще всего представлялась в образе женщины с головой львицы.
  11. Сешат – покровительница науки и памяти. Изображалась женщиной в шкуре пантеры со звездой, имеющей семь концов, на голове.
  12. Тефнут – богиня влаги и жидкости, женщина с головой львицы.

«Женские» подарки

Что можно купить в Египте в подарок представительницам прекрасного пола? Порадовать любимых женщин и коллег можно всевозможными приятными мелочами, такими как:

11. Набедренные платки. Они в большинстве случаев являются атрибутом танцовщиц восточных танцев, но такому подарку, без сомнения, будет рада каждая девушка.

Изготовленные из воздушных тканей разнообразных цветов, декорированные бисером и пайетками, набедренные платки украсят любую женскую фигуру.

12. Светильники из алебастра. Стоит уточнить, что это не строительный материал. Алебастр, из которого египтяне изготавливают подсвечники, лампы и люстры, – очень ценный природный минерал.

Он имеет несколько особенностей: внешне похож на оникс, такой же гладкий и с витиеватыми прожилками; пропускает свет (поэтому его используют для освещения помещений); прочный и достаточно легкий в обработке.

  • Курорты Египта для семейного отдыха

13. Ароматические палочки. Чаще всего они ассоциируются с Индией, но в Египте ими тоже серьезно увлекаются. Корица, ваниль, имбирь, миндаль, кардамон, амбра и прочие благовония от медленно тлеющей палочки способны растопить сердце любой девушки.

14. Мочалка. Речь идет не о простом синтетическом банном аксессуаре, а о самой настоящей мочалке из натуральной люфы. Добывают ее только в Красном море у берегов Египта. Это весьма оригинальный и полезный сувенир.

15. «Роза пустыни» – необычный природный минерал, образующийся в песках Египта при особых условиях. По форме он напоминает цветок и продается в чистом виде, а также в форме кулонов и брелоков.

16. Чеканка. Казалось бы, не самый женский сувенир, но египтяне и тут приспособились. На радость своим покупательницам, они продают всевозможные тарелки, кувшины, кофейные пары ручной работы, декорированные арабскими узорами.

Особенно популярны чеканные изделия с добавлением меди.

17. Эфирные масла. Самый широкий ассортимент масел и благовоний вы найдете в небольших городках на берегах Нила. Обычно они продаются в миниатюрных флакончиках в местных аптеках и у торговцев специями.

Благовония из Египта как подарок представительницам прекрасного пола

Важно помнить, что каждое масло наделено определенными свойствами и иногда может иметь целый ряд противопоказаний.

18. Изделия из хлопка. По выращиванию этой культуры Египет занимает первое место в мире. Все хлопковые изделия с ярлыком Made in Egypt традиционно очень высокого качества, но нужно стараться покупать их в магазинах. На базарах часто можно наткнуться на подделку.

  • Лучшие гостиницы в Египте

LiveInternetLiveInternet

Цитата сообщения Майя_Пешкова

Прочитать целикомВ свой цитатник или сообщество!
Искусство древнего Египта в собраниях Британского музея

Продолжу свой показ Британского музея,выхватывая для Вас его лучшие экспонаты…Следующее представление-мое любимое египетское искусство.Итак….

Зал №4-Египетская скульптура

Самыми посещаемыми и популярными являются залы Древнего Египта. Здесь всегда толпится народ. И это неудивительно — если уж попали в Британский музей, как упустить возможность увидеть своими глазами мумии фараонов и их саркофаги? Также интересно посмотреть настенные рисунки 1350 года до н.э., изображающие жизнь зажиточных египтян того времени, коллекцию амулетов и украшений, мумии кошек и других животных.

Здесь всегда многолюдно,хорошо.что скульптуры достаточно большого размера и сонно наблюдают за толпами туристов из глубины веков.Много не буду рассуждать,остановлюсь на некоторых эеспонатах…значимых

Древнеегипетская коллекция музея — одна из крупнейших в мире (свыше 66 тысяч экспонатов). Хронологически охватывает период IV-III тыс. до н.э. до VII в. Наиболее богатый раздел — монументальная пластика Нового царства (XVI-XI вв. до н.э.): Гранитная голова Тутмеса III, две Фигуры Аменхотепа III из черного гранита, огромная голова от его статуи (ок. 1400 до н.э.), Скульптура фараона Рамсеса II (ок. 1250 до н.э.), каменные саркофаги, изваяния богов. Здесь же экспонируются около ста деревянных саркофагов, хорошо сохранившиеся мумии, в том числе мумии священных животных, коптские ткани и «Фаюмские портреты» (I-IV вв.). В собрании находится 31 портрет: Саркофаг с портретом Артемидора из Фаюма (нач. II в.), «Портрет молодой женщины из Эр-Рубайят» (II в.), «Портрет мужчины из Хавары» (нач. II в.).

При входе в один из залов выставлен Розеттский камень (ок. 196 до н.э.), с высеченным текстом декрета в честь царя Птолемея V. Черная базальтовая плита была найдена в 1799 французскими солдатами близ г. Розетта. Благодаря надписи, дважды повторяющей текст различными системами египетской письменности и переводом на греческий язык, Жан-Франсуа Шампольон (1790-1832) в 1822 расшифровал египетские иероглифы. В египетской коллекции музея хранятся папирусы (ок. 800 документов), знакомящие мир с литературными произведениями, богословскими сочинениями, религиозными гимнами и мифами, научными трактатами, записями исторических событий, а также с деловой и личной перепиской, юридическими документами. Музей хранит так называемые «Книги мертвых» — свод магических заклинаний, включавший более 180 глав. Лучшие образцы украшались рисунками, заставками, миниатюрами: «Книга мертвых» жрицы Анхаи (ок. 1100 до н.э.), «Книга мертвых» Хунефера (ок. 1300 до н.э.). В этом отделе представлены изделия ремесла, керамики, стеклянные и фаянсовые вазы, ювелирные украшения, скарабеи, росписи, снятые со стен фиванских гробниц и выполненные в технике темперы (XV в. до н.э.): «Земледельцы с гусями», «Охота на водяных птиц», «Певицы и танцовщицы» и др. — все датируются 1425-1379 до н.э.

Цари,царицы,их дети разных царств и также барельефы и настенная роспись гробниц

Ахменотеп и визирь из Мемфиса

А эти птички прообраз Божества Хора

Абидосский список царей

Розеттский камень Древний Египет. 196 до н. э. Базальт (?). 11 2,3×75,7×28,4

На знаменитом розеттском камне имеются надписи на трех языках, содержание текста — постановление Птолемея V Эпифана, освобождавшее египетских жрецов от уплаты одного из налогов и устанавливавшее культ царя в мемфисском храме. Повторение декрета на языке царей эллинистического Египта (греческом), народном разговорном (демотическом) и иероглифическом (языке жрецов) было необходимо, ибо указ касался всех. Верхняя часть плиты не сохранилась, также пропало несколько иероглифических строк.

Надписи, начертанные на плите предположительно из темного базальта, были обнаружены в 1799 инженером Пьер-Франсуа Бушаром, который во время египетской кампании Наполеона Бонапарта копал шанцы у города Розетта. После разгрома французского экспедиционного корпуса на Ниле и сдачи Александрии розеттский камень, согласно XVI статье александрийского договора, отошел к Англии и попал вместо Лувра в Британский музей.

С расшифровки этих надписей и начинается египтология. Сличение одного и того же текста, написанного на разных языках, позволило специалистам понять нечитаемые до этого древнеегипетские иероглифы. Найти ключ к письменам удалось лишь через 20 лет после обнаружения розеттского камня сразу двум ученым — англичанину Томасу Юнгу (1819) и, независимо от него, французу Жан-Франсуа Шампольону (1822), который сумел установить произношение каждого иероглифа в картуше (продолговатом контуре с горизонтальной линией внизу, указывающем, что написанный в нем текст является царским именем) «Птолемей» и прочесть его на всех трех языках. Затем, опираясь на знание коптского и греческого языков, он расшифровал остальные неизвестные знаки надписи.

Человек с мотыгой Древний Египет. VI династия, около 2250 до н. э. Дерево, минеральные краски. Высота 33

Деревянные статуэтки земледельцев, пекарей, гончаров, ткачей были найдены во многих гробницах эпохи Древнего и Среднего царств. Древние египтяне верили, что жизнь человека после смерти будет подобна земной — придется пить, есть и одеваться. Поэтому отправляющийся в «страну блаженных» фараон нуждался в многочисленных слугах. В других странах (например, в Месопотамии) ради подобных целей убивали рабов умершего правителя. В Древнем Египте поступали гораздо милосерднее: вместо настоящих людей в «вечном доме» царя оставляли их изображения. Египтяне считали, что после смерти человек, как и при жизни, больше всего будет нуждаться в хлебе, соответственно, самым важным станет труд земледельцев и пекарей.

Статуэтки, изображающие эти виды работ, были обнаружены в усыпальницах многих фараонов. Миниатюрная скульптура представляет человека с мотыгой в руках. Разбивать комья, которые остались после обработки земли плугом, — очень тяжелое дело, но оно было необходимым, ибо обеспечивало богатый урожай. Скульптор точно и реалистично показал орудие труда и позу земледельца, тогда как его самого изобразил согласно условным правилам канона: небольшой рост и слабое телосложение — свидетельства низкого социального статуса, а красно-коричневый цвет кожи — знак принадлежности к мужскому полу.

Скульптурная группа, показывающая работу пекарей Древний Египет. XII династия, около 1900 до н. э. Дерево, минеральные краски. Высота 23, длина 42,5

Египетское искусство, выполняя магические задачи, было призвано хранить лишь то, что имело значение для вечности. Человек, занятый работой, мало интересует художника, ведь важен не он, а его труд, от которого зависит благополучие загробной жизни фараона. Поэтому достоверность проявляется только в изображении атрибутов ремесла и жестов «слуг царя». Стиль подобных статуэток вплоть до эпохи Нового царства менялся мало: каждая из них, будучи символом определенной профессии, наделялась типичными и запоминающимися чертами. Иногда фигурки объединялись в группы, представляющие живые и непосредственные жанровые сценки.

Весьма правдоподобно изображена в миниатюрной скульптурной композиции работа пекарей, чей труд, обеспечивающий хлеб на столе царя, считался священным. Два работника придворной кухни заняты каждый своим делом. Один так старательно месит тесто, что у него на лбу от напряжения образуются морщины, другой, сидя на корточках и заслоняя лицо рукой от огня, вынимает из печи готовые буханки. Мастер показал и результат работы пекарей — целую гору готовых хлебов, предназначенных надолго обеспечить хозяину гробницы сытую жизнь.

Голова культовой статуи богини Хатхор Древний Египет, Дейр эль-Бахри. XVIII династия, около 1450 до н. э. Алебастр. Высота 34,8, ширина 16,5

Хатхор, чье имя переводится как «Дом Хора», почиталась египтянами как богиня-мать, вынашивавшая в утробе верховное божество. Ее образ связывался с мифологическими представлениями о сотворении мира, а покровительство распространялось на все сферы земной и загробной жизни. Благосклонность Хатхор была гарантией непрерывно обновляющейся жизненной силы. Среди широких слоев населения она считалась помощницей в житейских делах. В скульптуре и живописи Древнего Египта богиня могла представать прекрасной молодой женщиной, увенчанной коровьими рогами с солнечным диском между ними. Еще во времена Древнего царства (2613–2160 до н. э.) Хатхор изображали в виде коровы, кормящей царя. Божественное животное всегда наделялось солнечной символикой: между золоченых рогов сиял золотой диск, а глаза были небесно-голубыми.

Этот древнейший аспект культа Хатхор был восстановлен и упрочен в период правления Хатшепсут. Единственная в египетской истории женщина-фараон, официально не имевшая права на престол, объявив о своем божественном происхождении, стремилась заручиться заступничеством Хатхор в ипостаси «питательницы царей».

Прекрасная голова культовой статуи богини в образе коровы происходит из святилища, построенного рядом с заупокойным храмом Хатшепсут в Дейр эль-Бахри. Скульптура выполнена из белого полупрозрачного алебастра, символизирующего чистоту и святость богини-матери, а также молоко небесной коровы, дарующей энергию богам и фараонам. Инкрустированные лазуритом и горным хрусталем глаза статуи, как и золоченые рога с укрепленным на них золотым диском, не сохранились. Однако и без этих драгоценных атрибутов изображение производит яркое впечатление. Натуроподобный образ полон мягкой доброты, спокойствия и торжественного величия. Сохраняя реалистичность черт, скульптор облагораживает животное, превращая его в высшее существо.

Зал 61.Жизнь и смерть в Египте.

Фрески росписей гробниц из Небамуна

Охота на водяных птиц Роспись гробницы в Фивах Древний Египет. XVIII династия, около 1350 до н. э. Известняк, минеральные краски. 98×115

Роспись гробницы Небамуна, «писца, который ведет счет зерну», включала несколько замечательных сцен, запечатлевших для вечности самые радостные моменты его земной жизни.

Одна из лучших композиций представляет охоту на водяных птиц в нильских зарослях: юный вельможа Небамун, стоя на окруженной цветами лодке и держа приманку — трех голубых цапель, — готовится метнуть бумеранг в стаю взлетевших из кустов фазанов. Писца сопровождают его жена и дочь. Красивая и нарядно одетая женщина, изображенная чуть позади мужа, держит в руках большой букет белых лотосов, а маленькая обнаженная девочка, сидя в лодке и придерживаясь за ногу отца, тянет из воды огромный цветок. Чтобы подчеркнуть высокое положение Небамуна, художник значительно увеличил размеры его фигуры.

Изображения людей строго подчинены канону: лица и ноги показаны сбоку, глаза и плечи — в фас, а тела имеют условный символический цвет. Но сама картина охоты, изобилующая яркими красками и множеством занимательных подробностей, почерпнутых из жизненных наблюдений, полна радости и движения. В воздухе порхают бабочки, среди потревоженных птиц можно различить гусей, уток, трясогузок и сидящую на гнезде цаплю. Жадный дикий кот изловчился и в прыжке схватил сразу трех птиц. Художник показывает даже то, что человек не может увидеть, например плавающих под водой огромных карасей.

Населенные всякой живностью, нильские заросли превращаются в плодоносный, утопающий в цветах рай, где повсюду трепещет жизнь и господствует красота. Звонкие голубые, золотые и белые цвета росписи также напоминают о небесной реке в «стране блаженных», где люди смогут вечно наслаждаться, созерцая прекрасное. Жанровая сцена оказывается исполненной глубокого символизма. Удачная охота Небамуна — это знак его победы над природной стихией и смертью, залог возрождения в вечности. Рыжий кот, умело расправляющийся с добычей, — воплощение солнечного божества, прогоняющего мрак.

Праздник в честь Небамуна. Певицы и танцовщицы Роспись гробницы в Фивах Древний Египет. XVIII династия, около 1350 до н. э. Известняк, минеральные краски. 69×30

В росписях, украшающих усыпальницы древнеегипетских вельмож Нового царства, часто встречаются изображения пиров, свиданий и отдыха в саду. Эти яркие, наполненные чувственной красотой сцены праздного времяпрепровождения должны были сохраниться навеки, продолжая радовать умершего.

В гробнице Небамуна художник запечатлел пышное торжество. Нарядные гости восседают парами, раздают указания слугам и наслаждаются жизнью. Для них поют, отбивая ладонями такт, прекрасные вокалистки, играет флейтистка, танцуют юные нагие танцовщицы. Золотистые струящиеся платья, локоны роскошных париков, драгоценные ожерелья и массивные серьги, браслеты на изящных руках и венчающие прически конусы ароматических веществ, таявшие под лучами солнца, — мастер улавливает все подробности облика, ни одна деталь из тех, что создают красоту, не ускользает от его внимательного взора.

Чтобы подчеркнуть тонкость льняной ткани, облегающей гибкие тела, художник делает наряды полупрозрачными. Певучие линии очерчивают фигурки танцующих, контуры и точеные лица. Изображая девушек, автор иногда использует необычные для египетского искусства, выходящие за рамки канона ракурсы.Красочная гамма усиливает светлое настроение сцены, в которой господствуют белые, желтые и голубые цвета. Иероглифическая надпись передает слова исполняемой песни: «Благоухают сладостные цветы, дары Птаха, взращенные Гебом, повсюду разлита его красота, Птах сотворил ее, чтобы порадовать свое сердце. Пруды снова полны водой, земля переполнена любовью к нему».

Залы 62-63

Суд Осириса Рисунок из Книги мертвых Хунифера Древний Египет. XIX династия, около 1300 до н. э. Папирус. Высота 38,5

Условное название Книга мертвых получил известный с эпохи Нового царства обширный свод магических текстов. Они, служа своеобразным путеводителем по загробному миру, должны были помочь человеку справиться с демоническими существами и после благоприятного исхода суда Осириса достичь «страны блаженных».

Свиток Хунифера был найден в его гробнице, внутри полой статуэтки, сделанной в форме мумии с атрибутами богов Осириса и Птаха. К наиболее интересным иллюстрациям данного папируса принадлежит сцена суда в царстве мертвых. В ней показано, как умерший в сопровождении бога Анубиса вступает в зал суда и произносит перед лицом богов «отрицательную исповедь», утверждая, что «не совершал зла, не запятнал себя ложью, воровством, грабежами или убийством, не посягал на храмовые сокровища и не отводил воду с полей, не восставал против фараона, не оскорблял богов».

Правдивость слов следовало проверять, и художник изображает весы, на одной чаше которых лежит сердце Хунифера, на другой — перо, олицетворяющее богиню истины Маат. За показаниями весов следит Анубис: если чаша уравновешена, значит, умерший сказал правду и выдержал испытание перед судьями (их фигурки представлены в верхнем регистре). Стоящий справа от весов бог с головой ибиса, Тот, записывает решения суда. На него, раскрыв пасть, смотрит чудовище с головой крокодила — Аммамат, готовое пожрать солгавшего. Но Хунифер оказался честен, и Гор подводит его к престолу своего отца Осириса, восседающего на троне. Богини Исида и Нефтида благословляют прибывающего в «страну блаженных», а растущий из воды лотос символизирует его чистоту.

Рисунки, последовательно изображающие все этапы загробного суда, выполнены с каллиграфической точностью и расцвечены насыщенными локальными цветами, их ритмически организованные композиции отличаются строгостью и лаконизмом.

Ушебти Сети I Верхняя часть статуэтки из гробницы Сети I Древний Египет, долина царей. XIX династия, около 1290 до н. э. Фаянс. Высота 22,8

По представлениям древних египтян ушебти, небольшим статуэткам, изображавшим умершего человека, предстояло играть важную роль в обеспечении его благоденствия в загробном мире. Им следовало выполнять вместо покойного самую тяжелую и грязную работу на «Полях тростника».Считалось, что каждый житель Египта после смерти должен трудиться на земле.

Этой священной обязанностью не мог пренебречь даже сам фараон. Чтобы избавить правителя от нелегкой доли, в его гробницу помещали несколько ушебти. Магические обряды погребальной церемонии должны были оживить фигурки и наделить их жизненной силой. Так как в царстве мертвых ушебти становились двойниками человека, то их делали похожими на него. Статуэтки могли изображать умершего в виде мумии или в обычной одежде. Чтобы усилить действенность ритуалов, на каждой фигурке следовало начертать главу из Книги мертвых, в которой говорилось о ее назначении. Самые ранние ушебти относятся к XXI веку до н. э.

В начале Нового царства (1550–1070 до н. э.) их количество значительно возросло. Только в одной гробнице Тутанхамона было обнаружено несколько сотен ушебти. Затем по непонятной причине фигурки работников-заместителей исчезли из царских погребений, и лишь в гробнице Сети I они появились вновь.

Большинство ушебти этого фараона XIX династии из его захоронения, открытого Джованни Бельцони в 1817, вскоре были расколоты. Посетители гробницы поджигали деревянные статуэтки, используя их как светильники. Многочисленные, часто выполненные из недорогих материалов фигурки ценились, по-видимому, невысоко. Избегнуть варварского разрушения удалось лишь немногим царским ушебти, в их числе данный замечательный экземпляр. Это изящная фаянсовая статуэтка, покрытая блестящей голубой эмалью и мастерски расписанная черной краской. Ушебти придан канонический облик (так фараона изображали на саркофагах): портретную маску обрамляет царский головной убор с коброй-уреем, руки скрещены на груди. Однако в них вместо атрибутов власти вложены мотыги, о необходимости работы на «Полях тростника» напоминает и надпись на запеленатой, словно мумия, нижней части фигурки.

Бюст Рамсеса II Древний Египет. XIX династия, около 1280 до н. э. Гранит. Высота 158

Рамсес II (1304–1237), великий правнук основателя XIX династии, Рамсеса I, возвративший Египту древние владения и заключивший после долгой войны с хеттами выгодный для страны мирный договор, восстановил и упрочил славу и мощь государства, которым успешно правил 67 лет. Он не только сражался, но и очень много строил: в Фивах, скалах Абу-Симбела, Карнаке были возведены величественные храмы, где повсюду — на стелах, колоннах гипостильных залов и изваяниях царя — многочисленные надписи провозглашали могущество Рамсеса: «Он подобен огню, наступая, и нет воды, чтобы погасить его. Он заставляет мятежников проглотить крики возмущения, которые вырываются из их рта, когда он берет их в плен». Славословию вторило увековечивание в камне — тысячи скульптур фараона были воздвигнуты по всей стране. В их числе и гранитный бюст Рамсеса II с острова Элефантин, подаренный Британскому музею в 1838 лордом Гамильтоном.

Великий правитель Египта представлен в образе «благого бога», «который подавил юг и покорил север, сражаясь своим мечом». Черты лица знаменитого фараона, хорошо известные по его многочисленным изображениям, здесь смягчены и наделены вечной молодостью. На юном лице — длинная борода с завитком внизу — условным знаком неземного происхождения и атрибутом богов. Такую форму бороды не смел носить ни один житель Древнего Египта, кроме самого царя.

На голове фараона, объединителя страны, сразу две короны: Нижнего и Верхнего Египта. В скрещенных на груди руках он держит посох и плеть — символы власти и контроля над огромной державой. Священная кобра-урей на лбу Рамсеса приготовилась к смертельному броску на любого врага, который посмеет посягнуть на его божественные права. Высеченное на плече гранитного бюста имя великого царя упрочивает его силу и славу на земле и в вечности.

Статуэтка кошки Древний Египет. I-III века до н. э. Бронза. Высота 33

Кошки, глубоко почитаемые в Древнем Египте, считались священными животными богини любви Бастет. Животные содержались в храмах, в частном владении кошка была большой ценностью для своих хозяев. Когда любимый питомец умирал, служители храма и жители дома в знак траура должны были сбрить себе брови, неутешно плакать, а тельце зверька мумифицировать и похоронить на особом кладбище.

Данная скульптура кошки, возможно, участвовала в подобном погребальном обряде. Изображение выполнено в натуральную величину, оно предельно лаконично в своей законченной простоте.

Статуэтка — шедевр анималистической скульптуры Древнего Египта. Талантливый мастер передал в бронзе сдержанную силу и грацию поджарой, гибкой кошки, настороженность ее позы и упругость изящного, точеного тела. Скульптор верно уловил основные черты изображаемого животного: это настоящая дикая кошка, которая сидит, сгруппировавшись и сосредоточившись перед прыжком, гордая и уверенная в своей ловкости.

Но в то же время перед зрителем царственный зверь, его поза величественна, а внимательный вневременной взгляд спокоен. На животном — серебряное оплечье с изображением священных символов вечной жизни, в ушах и носу — золотые серьги. Драгоценные украшения ясно вырисовываются на фоне отполированной бронзовой поверхности статуэтки. Это скульптурное изображение, несмотря на миниатюрный размер, выглядит монументально благодаря лаконизму деталей, обобщенности пластических форм и точному рисунку силуэта.

Портрет молодой женщины Египет, Фаюмский оазис, Хавара. Начало II века н. э. Дерево, энкаустика. Высота 38,2

Живописные портреты I–IV веков н. э., отрытые в конце XIX — начале XX века при раскопках римских некрополей Фаюмского оазиса и поэтому названные фаюмскими, представляют галерею самых разных лиц: мужчин, женщин, детей и стариков. Эти единственные уцелевшие образцы античной станковой живописи были связаны с заупокойным культом. В Египте они заменили традиционные маски мумий. Под воздействием традиций греческой реалистической живописи и римского скульптурного портрета фаюмские художники усовершенствовали свое мастерство и научились с необычайной правдивостью воспроизводить облик умерших людей, сохраняя не только черты их лиц, но и особенности характеров.

Удивительно живо и непосредственно исполнен портрет молодой темноволосой женщины в лиловом хитоне. Взгляд ее огромных блестящих глаз направлен на зрителя, поэтичный облик дышит жизнью: на нежной коже трепещут тени, золотые украшения и звучный цвет одежды подчеркивают красоту лица. В этом прелестном образе нет и следа отрешенности, свойственной старинным египетским заупокойным портретам. Техника энкаустики, в которой по преимуществу работали художники из Фаюма, во многом способствовала созданию выразительных и реалистичных изображений. Мастера варили пчелиный воск в морской воде, добавляли в него смолу и смешивали с растертыми в порошок минеральными красками, затем наносили их металлическим стержнем и кистью на загрунтованные кипарисовые доски. Такой способ позволял, используя игру светотени, придавать лицу почти скульптурный объем. Краски восковой живописи, оставаясь прозрачными, сохраняли яркость и насыщенность цвета.

Саркофаг с портретом Артемидора Египет, Фаюмский оазис, Хавара. Начало II века н. э. Дерево, энкаустика. 43×23, длина саркофага 127

К лучшим образцам живописи Фаюма относится портрет на саркофаге из Хавары, склеенном из нескольких слоев холста и листов папируса, покрытом сверху розовой гипсовой штукатуркой. На его крышке показаны сцены, связанные с древнеегипетским заупокойным культом. Рельефные фигурки богов, как и выпуклые буквы надписи, содержащие имя умершего — Артемидор, покрыты золотом. Золотой венок, изображенный поверх прически молодого человека, — символ его счастливого будущего в загробном мире. Портрет выполнен одаренным художником. Облик юноши — утонченное лицо с выразительными чертами и внимательный взгляд больших темных глаз — создает впечатление человека с сильным характером и богатым внутренним миром. В открытом взгляде Артемидора читаются сознание своего достоинства, крепкая воля и страстность натуры.

Портреты из Фаюма часто писались еще при жизни человека и, как полагают некоторые исследователи, могли долгое время украшать его дом, поэтому они изображают покойных совсем молодыми. Изображение Артемидора в этом отношении уникально — оно дало возможность проверить данную версию, ведь сохранилась сама мумия. После спектрального анализа было выяснено, что возраст на портрете точно соответствует времени гибели юноши, которому на момент смерти было около 20 лет. Такое количество юных лиц на фаюмских портретах, видимо, отражало реальную демографическую ситуацию: многие в те далекие времена очень рано покидали этот мир.

https://coollib.com/

Серия сообщений «Древний Египет(мои)»:
Часть 1 — Вторая жизнь Нефертити Часть 2 — Декоративное оформление архитектуры Богов … Часть 23 — ЗАГАДКИ ДРЕВНЕГО ЕГИПТА.Видеофильм Часть 24 — Пирамиды 1У династии.Пирамиды Гизы.Часть 1. Часть 25 — Искусство древнего Египта в собраниях Британского музея

Серия сообщений «Музеи Великобритании.»:
Часть 1 — Лондонский музей Альберта и Виктории.Часть1.История.Экспозиции музея копий. Часть 2 — Лондонский музей Альберта и Виктории .Часть 2.Экспозиция»Керамика и фарфор» … Часть 5 — Шедевры из собраний графики и гравюр Британского музея Часть 6 — Сокровища из Ваддестона в Британском музее Часть 7 — Искусство древнего Египта в собраниях Британского музея Часть 8 — Изделия из золота и серебра в собраниях Британского музея.Часть 1.

Съедобные подарки

Египет – «Мекка» для сладкоежек и гурманов. Эта страна радует необыкновенными лакомствами и диковинными десертами.

Какие подарки привезти из Египта, чтобы удивить родных и близких? Вот список самых популярных гастрономических деликатесов из «страны фараонов»:

19. Чай и кофе. Ассортимент чая в Египте сродни китайскому. Самыми популярными являются ароматный желтый чай и лимонная трава.

Египтяне любят кофе с кардамоном. Специи немного смягчают действие кофеина, и сам напиток приобретает пикантный вкус.

20. Каркаде. Этот уникальный красный чай из цветков суданской розы является единственным спасением от невыносимой жары в Египте, ведь летом температура воздуха здесь может достигать +50 °С.

Тонизирующий «напиток фараонов» египтяне пьют целыми днями в горячем и холодном виде. Он обладает рядом полезных свойств и отлично освежает. Настоящий каркаде можно купить только в Египте.

21. Восточные специи. Рынки всех египетских городов ломятся от гор всевозможных специй. Еще несколько столетий назад моряки рисковали жизнью ради пакетика ароматной восточной пряности, а сегодня туристы могут всё это свободно купить.

Шалфей, кардамон, шафран, кумин, луми, алухия и прочие диковинные специи, их смеси и емкости для хранения можно приобрести на любом египетском рынке в любом объеме.

Восточные специи как съедобный подарок из Египта

22. Экзотические фрукты. Их ассортимент просто поражает воображение: дыня, манго, гранаты, клубника, инжир, гуава. Правда, цена на фрукты колеблется в зависимости от сезона их созревания и сбора.

Тем же, кто не хочет везти свежие фрукты, подойдет вариант джема, особенно популярны сладости из гуавы и инжира.

23. Семечки. Это совсем не те семечки, которые бабушки щелкают на лавочках. В Египте очень популярны крупные черно-белые семечки подсолнуха и арбуза. Правда, они плохо чистятся.

Туристы также часто увозят в своих чемоданах пакетики с кунжутными семечками.

  • Чем заняться с детьми в Египте

Классификация символов

При проведении археологических экспедиций, было найдено большое количество предметов с нанесенными надписями и различными изображениями. Для более четкого понимания необходимо провести классификацию талисманов и амулетов по различным признакам.

По внешнему виду

Прежде всего, человеку интересен внешний вид оберега. Их делали различного типа:

  • браслеты;
  • кольца;
  • подвески;
  • фигурки;
  • нашивки и вышивки, нанесенные на одежду.

При этом обереги могут носить символы, рисунки разнообразных зверей и птиц или изображения божества. Каждый египетский знак и символ имел характер и свое предназначение.

По цвету и материалу

Еще одной отличительной чертой являются цвета и материалы, которые применялись при создании талисмана. Они играли большую роль в предназначении оберега. В большом количестве можно встретить обереги, изготовленные из камня:

  • обладающего сине-зелеными тонами (бирюза, аспид, нефрит);
  • сделанные из сырья черного цвета, например, из базальта;
  • из сырья, обладающего красным цветом (яшма, сердолик), изготовлялись обереги, предназначением которых являлись «сердечные» дела.

Кроме камня, при изготовлении талисманов применялись воск, металл и дерево.


Талисманы Египта из металла

По наличию заклинаний

Различать обереги можно и по присутствию на них различных заклинаний. Магические заклинания над талисманом мог произносить только жрец, а обычный египтянин мог только переносить слова на оберег, не произнося их вслух.

Подарки детям

24. Египетские сладости. Халва тахинная (из кунжута) и с орехами, кунафа (десерт из тонкой лапши и теста кадаиф), умм-али (местный вариант тирамису), рахат-лукум, кокосовые рулеты, финики в глазури, натуральные конфеты ручной работы из семечек и орехов… Список просто бесконечный.

Попробовав эти деликатесы единожды, можно навсегда остаться в их плену. Нужно очень постараться, чтобы довезти их домой, поэтому желательно делать такие покупки перед отъездом.

25. Поющий или танцующий верблюд. Эти игрушки можно встретить практически в любой сувенирной лавке. Забавные плюшевые животные развеселят любого ребенка своим пением или танцами.

Изделия из папируса


Изделия из папируса
Папирус – едва ли ни первое, что возникает в ассоциативном ряду при упоминании Египта. В эпоху античности из этого водно-болотного растения изготавливался писчий материал. Сегодня папирус воспринимается как символ древней письменности, а потому таит в себе особый, сакральный смысл. В современном Египте можно приобрести самые разнообразные изделия из папируса – календари, закладки для книг, небольшие картинки и масштабные полотна с классическими мифологическими сюжетами. Особый колорит таким сувенирам добавляет тот факт, что они изготовляются по старинным, каноническим рецептам. Настоящий папирус необыкновенно прочен и качественен – он не гнется и не ломается, в связи с чем достаточно легко обнаруживаются подделки. Кроме того, стоит обратить внимание на стоимость изделий из папируса – если цена ниже двух долларов, то перед вами наверняка подделка.

Скарабеи


Скарабеи
Жук-скарабей является символом Египта, а потому большинство туристов, приезжающих в страну фараонов, считают своим долгом приобрести фигурку или амулет в виде скарабея в качестве сувенира. Такие сувениры изготавливаются в огромном количестве и в самом разном исполнении. Самые дорогие статуэтки и амулеты делаются из золота, бирюзы или серебра. Египтяне почитают скарабея как знак бога солнца – Амон Ра, они убеждены, что его изваяние непременно приносит удачу. Кроме того, как и пирамиды, скарабей является символом гармонии и накопителем положительной энергии.

Чем известна живопись темперой: описание техники, примеры картин, история

Чем известна живопись темперой

Темперная живопись – одна из техник, известных с самого начала творческой деятельности человека. С течением лет она почти не претерпела изменений и сегодня остается такой же популярной и востребованной.

Дионисий - Митрополит Алексий с житием

Дионисий - Уверение Фомы

Рафаэль Санти - Святой Себастьян

Рафаэль Санти - Святое семейство (Мадонна с безбородым Иосифом)

  • Что такое темпера
  • История создания краски
  • Виды темперы
  • Современная темпера
  • Свойства и особенности
  • Отличия темперы от акварели, акрила, масла и гуаши
  • Процесс рисования
  • История живописи темперой
  • 10 лучших художников, писавших темперой

Что такое темпера

Темпера – это древнейшая техника, зародившаяся, предположительно, в Античном Египте. Древнеегипетские мастера научились получать качественные краски на основе сухих порошковых пигментов (основа темперы), смешивая их с эмульсиями на натуральной или искусственной основе. Первоначально этот вид живописи применялся для росписи пирамид.

Рафаэль Санти - Автопортрет

Рафаэль Санти - Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем (Мадонна Эстерхази)

На протяжении тысячелетий темпера была наиболее востребованной техникой в изобразительном искусстве. Художники ценили ее за универсальность. Работы, выполненные в этой художественной технике, отличались глубокой матовой фактурой. Краски не разрушались, сохраняли яркие оттенки.

Жан Эдуар Вюйар - Женщина у стола с лампой

Жан Эдуар Вюйар - Интерьер с картинами и фазаном

Жан Эдуар Вюйар - Фруктовый сад и продавщица фруктов

С появлением техники масляного письма популярность темперы стала постепенно угасать. Но сегодня мы видим постепенный возврат к забытой технике. Качество темперных красок, разработанных на основе полимерных составов, пришлось по душе многим современным мастерам.

Происхождение термина

В основе определения «темпера» лежит латинский термин «temperare», который буквально переводится как «смешивать в определенной пропорции». Мастера древности сами делали краску, используя в качестве красящего пигмента цветные минералы. Их измельчали их в порошок и смешивали в определенных пропорциях с эмульсией на основе яичного желтка.

Ченнино Ченнини - Св. Августин

Ченнино Ченнини - Св. Григорий

В некоторых источниках высказывается другое предположение: название техники могло произойти от итальянского слова «tempo» (буквально – «время»), так как связующие эмульсии отличались быстрым высыханием. Художники должны были наносить краску на холст очень оперативно, «в темпе». Технология изготовления темперных красок и работы с ними впервые были описаны итальянским художником Ченнино Ченнини в трактате «Книга об искусстве».

История создания краски

Краска темпера и сегодня представляет собой сухие пигменты, замешанные на эмульсиях (специальных связующих составах), хотя ее рецепт был изобретен более трех тысяч лет назад в Древнем Египте. В то время ей расписывали памятники и саркофаги. Зная прекрасные эмульгирующие характеристики куриных яиц, египетские художники решили использовать их в приготовлении краски.

Жан Эдуар Вюйар - Графиня Анна де Ноайль

Жан Эдуар Вюйар - Вечер в саду Альказара

Жан Эдуар Вюйар - Выступление Тристана Бернарда

Сфера применения яичной темперы со временем расширялась. Появился первый опыт ее применения в станочной живописи (Фаюмские портреты – посмертные изображения египтян, созданные примерно в III-IV веках).

Рафаэль Санти - Святой Павел проповедует в Афинах

Рафаэль Санти - Смерть Анании

Рафаэль Санти - Христос вручает Св. Петру ключи от рая

Поскольку в то время было мало цветных пигментов, египтяне стали использовать желтки в качестве оттеночного вещества (его добавляли в краску для получения оттенков желтого и коричневого).

Жан Эдуар Вюйар - Анабаптисты. Морис Денис

Жан Эдуар Вюйар - Люси Хессель, примеряющая шляпу

Жан Эдуар Вюйар - Мадам де Сен-Морис

Большое значение имело и качество желтков. У яиц деревенских несушек были яркие желтки, и работы темперой сельских художников имели более насыщенные оттенки, чем картины, выполненные в городе.

Жан Эдуар Вюйар - Мадам Луи Капфере

Жан Эдуар Вюйар - Терраса на Васоу, сад

Жан Эдуар Вюйар - Филипп Бертело

Следующим материалом для приготовления темперных красок, используемым в качестве эмульсии, стали органические жиры (бараний, куриный и даже крокодилий). У красок на их основе была более густая консистенция, а, значит, они отличались высокой насыщенностью оттенков.

Жан Эдуар Вюйар - Марселла Арон (мадам Тристан Бернард)

Жан Эдуар Вюйар - Малая гостиная. Мадам Хессель за швейным столом

Жан Эдуар Вюйар - Приятное общество

Постепенно темперная живопись стала распространяться по всему миру. Качество красок не могло быть одинаковым. В Египте уже тогда был открыт знаменитый синий пигмент, что позволило получить более разнообразные цвета темперы. В Европе цветные пигменты было достать трудно, там использовали желтую глину. Поэтому знаменитые картины ранних европейских художников написаны в желто-коричневой палитре.

Жан Эдуар Вюйар - Улыбающаяся Люси Белин

Жан Эдуар Вюйар - Аннет на пляже в Виллервилле

Жан Эдуар Вюйар - В парке в Шато-де-Клей

Особо выделяются картины темперой греческих авторов. Они делали свои краски на основе оливкового масла, придавая им особую структуру и блеск. Недостатком оливковых красок был долгий период высыхания.

Дионисий - Радостное страдание

Дионисий - Спас в силах

В России яичная темпера нашла применение, главным образом, в церковной живописи. Благодаря этой технике до наших времен сохранились дивные образцы старинной храмовой росписи и иконографии.

Жан Эдуар Вюйар - Доктор-дантист Луи Вило в своем кабинете

Жан Эдуар Вюйар - Аннет Натансон, Люси Хессель и Мишо Савье за завтраком

Жан Эдуар Вюйар - Доктор Васкес и его помощник доктор Парву в госпитале де ла Пейе

Современные синтетические краски, созданные по новейшим технологиям, отличаются высоким качеством, и сегодня живопись темперой возвращает былую популярность. Составы прекрасно ложатся на холст, в течение долгого времени остаются яркими, отличаются большим разнообразием цветов.

Виды темперы

Все темперные краски создают по единой технологии, а различаются, главным образом, эмульсионными компонентами. Основные виды темперных красок:

  • яичная (в качестве эмульсии применяются свежие куриные яйца);
  • казеино-масляная (связующими веществами выступают водная эмульсия казеина и растительное масло);
  • акриловая (содержат водную взвесь полиакрилатов);
  • восково-масляная (готовят на основе эмульсии воска с водой с добавлением растительных масел и поверхностно-активных веществ);
  • поливинилацетатные (современные виды красок на основе водной эмульсии клея ПВА).

Жан Эдуар Вюйар - Зал керамики в Лувре

Жан Эдуар Вюйар - Комната Вюйара в Шато-де-Клей

Жан Эдуар Вюйар - Мадам Хессель, читающая книгу

В древности использовали краски на основе натуральных ингредиентов (наиболее была распространена яичная). Для приготовления эмульсии использовался яичный белок (иногда с добавлением желтка), смешанный с водой в определенной пропорции. У яичного желтка идеальный эмульгирующий состав (яичное масло, лицетин, альбумин), позволяющий делать краски необычайно твердыми и качественными.

Рафаэль Санти - Дама с единорогом

Рафаэль Санти - Алтарь дома Колонна. Мадонна с младенцем на троне и со святыми (Мадонна в алтаре)

Еще в состав краски входили натуральный консервант (белое вино, уксус), красящий пигмент, натуральный ароматизатор.

Остальные виды темперы появились гораздо позже. Сегодня они изготавливаются промышленными методами на основе современных технологий.

Современная темпера

Казеино-масляная темпера отличается универсальным составом, позволяющим применять ее на различных поверхностях (бумага, картон, стекло, штукатурка, дерево). После нанесения краска быстро сохнет, образуя ровный и прочный слой.

Эмульсию готовят из очищенного льняного масла, разведенного в водном растворе казеина (применяется как связующий элемент), ализаринового масла (используется в качестве эмульгатора), фенола (антисептик). Для масляной темперы подойдет только качественный пигмент тонкого помола.

Жан Эдуар Вюйар - Мадам Марсель Капфере в своем доме

Жан Эдуар Вюйар - Мадам Валь Синави в квартире на Рю де Кале

Поливенилацетатная темпера – наиболее современный вид краски, получаемый при смешении синтетических смол, искусственных стабилизаторов и веществ, улучшающих структурность. Этот вид темперы отличается универсальными свойствами, пригоден для различных техник письма.

Краски ПВА обладают высокой прозрачностью, прочны, но очень быстро высыхают. Можно смело работать ими, нанося несколько слоев и не опасаясь расслаивания. Но работать следует очень быстро. Для работы подойдут любые виды поверхностей. Если необходимо избежать матовой текстуры, поверхность покрывают лаком.

Рафаэль Санти - Чудесный улов рыбы

Рафаэль Санти - Введение во храм. Алтарь Одди. Пределла

Рафаэль Санти - Поклонение волхвов. Алтарь Одди. Пределла.

Восково-масляная темпера создается на основе пчелиного воска, содержит связующие вещества (казеиново-масляную эмульсию или эмульсию ПВА). В качестве вспомогательных ингредиентов применяют органические смолы и масла. Красящий слой восково-масляной темперы обладает высокой стойкостью и укрывистостью.

Материал хорошо ложится на загрунтованные поверхности. Высыхает довольно долго, и, после высыхания немного темнеет. Благодаря восковой основе, окрашенные поверхности приобретают красивый глянцевый налет.

Жан Эдуар Вюйар - Мадам Вайль и ее дети

Жан Эдуар Вюйар - Пейзаж в Сен-Жаке

Жан Эдуар Вюйар - Месье и мадам Фейдо на диване

Акриловая темпера готовится на основе акриловой смолы. Отличается устойчивостью к внешним раздражителям, в зависимости от компонентов бывает матовой или глянцевой.

Современные виды темперы по качеству не уступают тем, что применялись в древние времена. Наносимые на поверхности слои ложатся ровно, обладают матовым оттенком. У краски множество сфер применения (включая станочную живопись, настенные росписи). Она невосприимчива к солнечным лучам, влаге, изменениям температурного режима.

Жан Эдуар Вюйар - Портрет Терезы Дорни

Жан Эдуар Вюйар - Библиотека

Жан Эдуар Вюйар - Завязывание шнурков

Современной темперой можно рисовать, используя любые приемы – тонкую, воздушную лессировку, пастозную живопись или оба метода вместе. Один из недостатков — быстрое высыхание после нанесения.

Свойства и особенности

Художники, работающие в технике темперы, отмечают основные особенности применения темперных красок:

  • Окрашенные поверхности становятся темнее после высыхания краски.
  • Отсутствие текстурности красок дает возможность тщательно прорисовывать тончайшие детали.
  • После полного высыхания слой темперы становится устойчив к воздействию окружающей среды. Это позволяет использовать краску на открытых поверхностях.
  • Краска хорошо пропитывает пористые поверхности (например, древесину), поэтому удалить ее довольно сложно.
  • Для того чтобы защитить готовую работу от повреждений и влаги, наносят покрывной лак (даммарный или акрил-фисташковый).
  • При покупке темперных красок очень важно обращать внимание на срок годности. Несвежая краска существенно снижает свои качества.
  • Наиболее выигрышный способ нанесения темперных красок – лессировочная техника, дающая возможность прорисовывать мелкие детали.

Отличия темперы от акварели, акрила, масла и гуаши

Темпера считается довольно сложным материалом по сравнению с другими видами красок. При работе необходимо учитывать существующие отличия:

  • С течением времени темперные краски не усыхают, а сохраняют объем. У масляных процесс деформации красочного слоя продолжается довольно длительное время.
  • В связи с высокими растворяющими способностями с темперой нельзя работать «по-мокрому». Чтобы не произошло смешивания слоев, нужно дождаться высыхания нижнего слоя краски.
  • Темперные краски (при работе в пастозной технике) ложатся плотным слоем, полностью скрывая нижний фон.
  • Краски на белковой основе обладают хорошей эластичностью. Они не смываются, не покрываются трещинами с течением времени.
  • Темперная техника обеспечивает высокую четкость линий и плавный переход от более ярких тонов к менее насыщенным.

Процесс рисования

Технику рисования темперой иногда сравнивают с техникой работы маслом или акварелью. Отличия заключаются в особом составе темперных красок.

Готовясь к творческому процессу, предварительно обрабатывают рабочую поверхность (подходят холст, картон, дерево). Ее полотно покрывают грунтовкой на основе клея или эмульсии. Помня о быстром высыхании, цвета подбирают и смешивают на палитре.

В качестве инструмента берут кисти из щетины, а для прорисовки мелких элементов – тонкие колонковые кисточки.

Рафаэль Санти - Портрет Перуджино

Рафаэль Санти - Мадонна Конестабиле

Рафаэль Санти - Благовещение. Алтарь Одди. Пределла

Современные темперные краски обладают большими возможностями и не требуют разработки специальных техник. Прорабатывая темные или ярко окрашенные элементы, используют пастозную технику или технику подмалевок. Полученную картину можно будет сравнить с работой, написанной маслом, но краски получатся более интенсивными и насыщенными.

Жан Эдуар Вюйар - Париж. Площадь Винтимилль

Жан Эдуар Вюйар - Площадь Винтимилль. Пятипанельная ширма для Маргариты Шапен

Светлые и прозрачные элементы прорисовывают, используя технику лессировки. При этом желательно, чтобы рабочая поверхность, на которую наносится красящий слой, была тоже светлой.

По окончании работы картину покрывают лаком, чтобы придать ей умеренный блеск и защитить от влаги. Нужно следить, чтобы слой лака не был слишком толстым. Это может исказить оттенки (сделать их более темными). К тому же станут рельефнее неровности.

Жан Эдуар Вюйар - Портрет мадам Гери

Жан Эдуар Вюйар - Сад в Вокрессо

Жан Эдуар Вюйар - Портрет Тедье Натансона в кресле

Чтобы избежать преждевременного высыхания краски, при работе используют несколько способов:

  • Рисунки темперой выполняют в быстром, стремительном темпе.
  • Процесс работы разбивают на несколько этапов.

Некоторые художники, стремясь отдалить момент высыхания, добавляют в краску немного глицерина, меда или сахара.

История живописи темперой

Темперная живопись зародилась в Древнем Египте, более 3 тысяч лет назад. Египетские мастера применяли ее при росписи саркофагов. Многие живописцы стремились узнать технику приготовления стойких темперных красок. Постепенно метод стал распространяться, приобретать популярность.

Феофан Грек - Успение Богородицы

Успение Богородицы
Феофан Грек

Многочисленные находки археологов говорят об использовании темперы в странах Ближнего Востока, Индии, Древней Греции. Здесь техника темпера использовалась преимущественно во фресковой живописи.

Феофан Грек - Богоматерь

Богоматерь
Феофан Грек

В древнем Риме темперу впервые применили в монументальной живописи. Об этом свидетельствуют многочисленные раскрашенные статуи, стены древнего Колизея, испещренные картинами гладиаторских боев. А среди самых известных примеров использования темперной живописи в римском искусстве называют портрет императора Септимуса Северуса с семьей на деревянной панели.

Тондо Северов. Луций Септимий, Юлия Домна, Каракалла и Гета, лицо которого стёрто

Тондо Северов. Луций Септимий, Юлия Домна, Каракалла и Гета, лицо которого стёрто

Большой след оставила темпера и в искусстве Византии, придя на смену энкаустику. С крещением Руси эту традицию переняли и русские иконописцы. В XV веке темпера стала очень популярна в России. Применялась она, главным образом, в иконописи и народном творчестве (искусство Палеха).

Дионисий - Одигитрия Смоленская

Одигитрия Смоленская
Дионисий

Среди известных иконописцев, работающих в технике темперы, были Феофан Грек, Дионисий, Андрей Рублев. Почти все иконы, составляющие основу духовного наследия, написаны темперными красками. Художников привлекала доступность красок, простота приготовления и отличное качество. Они очень ценили то, что краски, с течением времени, оставались яркими и не тускнели.

Андрей Рублёв - Святая Троица

Святая Троица
Андрей Рублёв

С этого времени темпера прочно заняла лидирующее место в Росси вплоть до XVII века. И только в XX веке, благодаря появлению современных качественных материалов популярность техники опять существенно возросла.

10 лучших художников, писавших темперой

Темперу использовали большинство русских иконописцев. Они оставили богатое духовное наследие в качестве икон и храмовых росписей, которые писали по дереву.

Начиная работу, художники покрывали доски гипсовой основой – левкасом. Сначала они прописывали крупные объекты, тщательно прорабатывая контуры. В заключение писали лица, блики, мелкие штрихи. Давали работе хорошо просохнуть и покрывали поверхность олифой.

Технику живописи темперой активно использовали многие художники эпохи раннего Возрождения, вплоть до изобретения масляных красок. В их арсенале портреты темперой, натюрморты, миниатюрная живопись, графика.

Известен также целый ряд мастеров современного искусства, отдававших силы для возрождения темперной техники.

Вот несколько наиболее известных художников, работавших в этой технике.

Андрей Рублев (1360-1428)

Основатель московской школы иконописи. Канонизирован Русской православной церковью и принял монашеский постриг в Андрониковой монастыре. В 1405 году расписывал стены Успенского собора в Кремле.

Андрей Рублев - Страшный суд

Страшный суд
Андрей Рублев

Наиболее известные работы: фреска «Страшный суд», иконы иконостаса Троицко-Сергиева монастыря. Ему принадлежит самая удивительная работа составляющая часть духовного наследия России – «Святая Троица».

Феофан Грек (1340-1410)

Феофан Грек - Спас Вседержитель в куполе церкви Спаса Преображения

Спас Вседержитель в куполе церкви Спаса Преображения
Феофан Грек

Константинопольский художник, основавший Новгородскую школу живописи. Родился в Византии. Живя в Великом Новгороде, расписал множество храмов. Самое известная работа Новгородского периода творчества – изображение Спаса Вседержителя в куполе церкви Спаса Преображения на Ильиной Улице.

Источники:

https://pravlife.org/ru/content/fayumskiy-portret-ikona-do-ikonopisi
https://nplus1.ru/material/2020/04/22/antique-masks
https://sitekid.ru/kultura_i_iskusstvo/iskusstvo_vizantii.html
https://artmariev.ru/oberegi-i-talismany/statuetki-egipta.html
https://art-dot.ru/tempera/

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *